INSTITUCIÓN EDUCATIVA
"CENTRAL TÉCNICO"
TEMA
REPRESENTACIONES TEATRALES
ALUMNO
DENNIS TROYA
DOCENTE
ING. JULIO CALVOPIÑA HERRERA, MSC.
REPRESENTACIONES TEATRALES
Los textos teatrales son escritos para ser representados. Esta
afirmación le confiere al género teatral unas características que lo
diferencian del resto de géneros literarios, puesto que la representación
teatral ha de incorporar elementos que están fuera del ámbito de lo literario y
que pretenden recrear el juego de ficción-realidad que se da durante la
representación.
En una representación teatral se juega con dos textos: el texto
dramático, escrito por el autor teatral, y el texto del espectáculo que es
creado (quizá no escrito) por el director de escena en colaboración con todos
los componentes de una representación: actores, escenógrafos, músicos,
iluminadores…
Ante una puesta en escena el director deberá ir completando todos
aquellos aspectos que no aparecen en el texto dramático, pero que son
importantes para el efecto artístico que quiere generar ante el público.
Elementos que se incorporan en escena pueden ser: la música, los trajes, los
objetos que aparecen en el escenario, los muebles del decorado, el telón de
fondo, los colores… En algunos casos los autores de los textos dramáticos
indican cómo han de ser estos elementos, para ello utiliza las acotaciones,
pero en la mayoría de casos el autor da una indicación mínima o nula y es el
autor de la puesta en escena quien tiene que decidir este tipo de cosas. Esto
es lo que nos lleva a considerar el espectáculo una manifestación artística
totalmente diferente de la escritura del texto dramático. Este texto será una
parte más (eso sí, muy importante) de la representación.
Estas reflexiones nos conducen a tener en cuenta los aspectos
audiovisuales que se desprenden de un texto teatral y, cuando asistimos a una
representación, hemos de ver cómo el autor de la puesta en escena ha manejado
estos códigos audiovisuales puesto que, con sus elecciones, puede incorporar
significados que son complementarios o completamente distintos a los que
aparecen en el texto dramático. Por ejemplo, utilizar música clásica o música
rock en una representación de un texto dramático de Calderón de la Barca (siglo
XVIII) nos dará significados y nos causará efectos totalmente diferentes.
COMEDIA
La comedia es
el género dramático opuesto a la tragedia y, por tanto, relacionado casi
siempre con historias con final feliz. Esa lectura epicúrea, placentera y
optimista, tuvo su origen en los primitivos cultos de la fertilidad en honor
del dios Dionisos y se desarrolló como género derivado del griego ditirambo,
asociado a los dramas satíricos y al mimo.Ricardo de la Vega, autor de la Verbena de la Paloma (1894), con música de los maestros Federico Chueca y Tomás Bretón, y el alicantino Carlos Arniches -El santo de la Isidr (1898), El amigo Melquiades (1914)- retomaron en sus sainetes el ambiente madrileño y castizo que tanta popularidad había tenido el siglo anterior.
Estas reflexiones nos conducen a tener en cuenta los aspectos
audiovisuales que se desprenden de un texto teatral y, cuando asistimos a una
representación, hemos de ver cómo el autor de la puesta en escena ha manejado
estos códigos audiovisuales puesto que, con sus elecciones, puede incorporar
significados que son complementarios o completamente distintos a los que aparecen
en el texto dramático. Por ejemplo, utilizar música clásica o música rock en
una representación de un texto dramático de Calderón de la Barca (siglo XVIII)
nos dará significados y nos causará efectos totalmente diferentes.
Es también el género que agrupa a todas las obras de dichas
características.Aunque parezca contradictorio, la comedia es un género
dramático, en el sentido de que se trata de un género literario o artístico que
presenta distintos episodios de la vida mediante el diálogo de los personajes.
El personaje principal de una comedia suele representar un arquetipo
(ser mentiroso o avaro, por ejemplo). Sus actuaciones pueden responder a un
estereotipo, donde la exageración de las conductas divierte al espectador o
lector.
En el cine, las comedias se caracterizan por la inclusión de bromas
verbales o visuales.
Las comedias cinematográficas se remontan a los orígenes del séptimo
arte, con filmes como “El regador regado”, que se estrenó en 1896. Por último,
podemos mencionar que una historieta cómica es una publicación impresa de humor
gráfico, en general caracterizada por las caricaturas. En la actualidad, la
mayoría de los diarios incluyen alguna historieta cómica.
Se caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a
las dificultades de la vida cotidiana, movidos por sus propios defectos hacia
desenlaces felices donde se hace escarnio de la debilidad humana. La comedia se
origina en el mundo griego, pero se va desarrollando por el medievo y por la
edad moderna , hasta llegar a nuestros días.
Como características, el personaje protagonista suele ser común y
corriente y representar un arquetipo , es decir mentiroso , charlatán ,
fanfarrón , pícaro ,enamorado , etcétera; es también inocente e inconsciente y,
a diferencia de la tragedia, donde el personaje protagonista tiene un profundo
sentido ético, en la comedia el personaje protagónico considera su moral como
una cualidad importante; lo que lo hace ser muy vital, aunque esto es más bien
un obstáculo para el personaje.
TRAGEDIA
La tragedia es un género dramático caracterizado por la representación
de temas graves y elevados que conducen a su protagonista a un desenlace
fatídico. Asimismo, como tragedia también podemos referirnos a una obra
dramática donde predominan rasgos de la tragedia griega clásica. La palabra, en
este sentido, proviene del latín, y este a su vez del griego.
La tragedia, como tal, es una expresión literaria que se origina en la
Antigua Grecia. Como tal, era un género teatral compuesto en verso y en un tono
elevado, que representaba la historia de un personaje que, por pasión o por
fatalidad, era conducido a su caída (muerte o destrucción moral). En este
sentido, en ella predominaban los conflictos y las pasiones humanas. En ella,
además de los actores, participaba también un coro.
Los temas en los cuales se basaba eran tomados de la antigua épica,
centrados en el sufrimiento y las peripecias de la vida humana. Su
representación, por otro lado, generaba en el espectador una respuesta emotiva
purificadora que Aristóteles reconocía como catarsis.
Como tal, la tragedia se estructuraba en un prólogo, que precedía la entrada del coro; el párodo, que era el cántico de entrada del coro; el éxodo, que era cántico que marcaba la retirada del coro, y los episodios, que eran las partes propiamente dramáticas de la tragedia.
Los autores más importantes de la tragedia griega fueron Sófocles, Esquilo y Eurípides. Actualmente, no obstante, autores como el inglés William Shakespeare o Goethe siguen considerándose como cúspides literarias de la tragedia.
Por otro lado, una tragedia también puede ser una situación lamentable o un hecho desgraciado, que puede afectar tanto a una persona o hasta sociedades enteras. Desastres naturales, accidentes de gran magnitud, son eventos de carácter trágico.
DRAMA
En el género dramático, el autor lleva el desarrollo
de la acción a la escena: los hechos no se relatan, sino que se representan. Su
forma expresiva es el diálogo y los personajes adquieren vida ente cuando tiene
un “final trágico”, pero el término hace referencia también a las obras cómicas
(al menos en la cultura occidental, donde se considera que nació del término
drama) y además incluye, pues, la tragedia y la comedia.
Como género
cinematográfico, el drama siempre plantea conflictos entre los personajes
principales de la narración fílmica y provoca una respuesta emotiva en el
espectador, a quien conmueve, debido a que interpela su sensibilidad. Los
problemas de los personajes están relacionados con la pasión o con problemas
interiores.
La temática
de este tipo de películas es diversa, pero su eje principal es el amor. Cuando
el énfasis en lo amoroso/emocional es exagerado, el drama se conoce como
melodrama: en él, los personajes quedan limitados al carácter simplista de
buenos o malos.
La mayor
parte de las películas u obras teatrales promueven la moralidad como eje
central y, por ello, tienen una dimensión didáctica acusada. La presencia de la
música y la fotografía acentúan la credibilidad de la obra.
TRAGICOMEDIA
El concepto
de tragicomedia denomina a uno de los géneros más importantes y difundidos del
teatro clásico y que se caracteriza por la presencia y combinación de elementos
dramáticos y cómicos.
Mayormente,
el aspecto cómico que ostenta una tragicomedia está dominado, por un lado, por
el sarcasmo, que consiste en una burla aguda a través de la cual se quiere dar
a entender lo opuesto o expresar el profundo desagrado que genera algo. Está
íntimamente relacionado con la ironía, por caso, es que se lo considera una
crítica indirecta que se expone a viva voz.
Y por otro
lado, en la tragicomedia nos podremos encontrar con la parodia a la hora de
evidenciar ese costado cómico que ostenta. Normalmente se recrea a un personaje
o a un hecho y se ridiculiza o resalta sus principales características pero de
manera grotesca, de modo de hacerlos muy evidentes.
Los orígenes
de la tragicomedia se remontan a la Grecia Clásica donde ciertamente fue furor
y constituyó per se uno de los espectáculos que más público convocaban.
Era común
que las tragicomedias de aquellos años se ocupasen de abordar leyendas,
mientras que el toque de humor estaba puesto por el coro.
El coro
estaba conformado por un grupo de intérpretes que a través de la canción o de
la declamación se ocupaban de comentar las acciones que se sucedían en las
escenas. De alguna manera, asistía al público para que puedan seguir sin
inconvenientes los sucesos que se presentaban en escena. Serían el público pero
dentro de la obra misma. Normalmente cantaban pero también se expresaban a
través de la palabra.
Si bien
puede haber alguna que otra variante, la tragicomedia, especialmente relata la
historia de un héroe que persigue un fin que puede estar asociado al amor, la
justicia, un deseo por cumplir, entre otros. En este sentido se enfrentará a
diversos obstáculos que deberá superar para triunfar en su cometido.
Suele
disponer de un final feliz, aunque muchas veces esa felicidad recién llega en
el minuto último y tras mucho padecer.
Debemos
destacar que en el lenguaje coloquial se le atribuye un uso extendido a la
palabra que nos ocupa, para referir a aquella situación de la vida misma que
justamente mezcla elementos trágicos como cómicos.
AUTO SACRAMENTAL
Un auto
sacramental es una pieza de teatro religioso, más en concreto una clase de
drama litúrgico, de estructura alegórica y por lo general en un acto, con tema
preferentemente eucarístico, que se representaba el día del Corpus entre los
siglos XVI y XVIII hasta la prohibición del género en 1765.
Usaba un
gran aparato escenográfico y las representaciones comprendían en general
episodios bíblicos, misterios de la religión o conflictos de carácter moral y
teológico. Inicialmente eran representados en los templos o pórticos de las
iglesias. El más antiguo testimonio del género es el denominado auto o, más
exactamente, Representación de los Reyes Magos, de 1145. Después del Concilio
de Trento, numerosos autores, especialmente del Siglo de Oro español (siglos
XVI y XVII), escribieron autos destinados a consolidar el ideario de la
Contrarreforma; entre ellos se destacan: Pedro Calderón de la Barca, Tirso de
Molina, Lope de Vega, etc... La Ilustración más activa del siglo XVIII los
combatió y consiguió prohibirlos.
Representaciones
de distintos temas. Consta de una introducción (loa), y culmina con una serie
de cantos y bailes que desembocan en la salida al escenario de los actores o en
un final apoteósico. Sus temas se extraen del misterio de la eucaristía y los
sacramentos de la iglesia católica.
En una
primera apreciación podemos decir que es un texto dramático que se estructura
para difundir la doctrina de la fe católica. Esto, si bien es cierto, no es lo
único. También es cierto que conforma una estructura dramática que va a sentar
las bases de lo que, siglos más tarde, será un referente del teatro
contemporáneo. En los autos sacramentales se habla de cuestiones que, al margen
de su naturaleza, son expuestas por personajes , no están sujetos a normas de
comportamiento psicológico. No se trata, pues, de mostrar cómo los seres
humanos percibimos nuestra realidad cotidiana, con sus avatares o cosa
parecida. Se pone en boca de los personajes aquello que es concepción de un
determinado universo conceptual.
Así aparecen la riqueza, la pobreza, el mundo,
Dios… Todo se muestra en una suerte de estrado en el que el espectador es, de
alguna manera, jurado que podrá extraer unas determinadas conclusiones de lo
que allí acontece. Esto, que puede parecer algo peregrino, no es tal si
pensamos en el teatro . Él también utilizaba su lenguaje dramático de manera
muy parecida: los banqueros actúan según unos parámetros y los usuarios de los
servicios que les ofrecen actúan según otros parámetros, por poner un ejemplo.
Hay antecedentes del teatro de en
autores del romanticismo alemán.
MONÓLOGO
El monólogo se puede definir como una forma de diálogo que un individuo puede realizar para un público o incluso para sí mismo, por lo general este tipo de discurso suele ser de duración corta, siendo la principal característica de este tipo de actuaciones el hecho de que solo una persona lo lleva a cabo. En cuanto a la literatura, es un recurso implementado en la mayoría de los géneros, ya sea en periodismo, poesía, guiones de , novelas, cuentos, etc. durante el transcurso del monólogo el protagonista irá narrando sus propias historias, en donde se verán plasmados sus sentimientos.A diferencia del diálogo el monólogo, hace sobresalir el papel que el interlocutor posee, para lo cual utiliza referencias e interrogativas, además de ello las exclamaciones suelen ser elementos frecuentes dando atención al discurso durante periodos de TIEMPO. Por otro lado en lo que respecta al protagonista del monólogo, su discurso no se encuentra dirigido a un público en específico, sino que por el contrario, todo lo que dice y hace, está hecho para sí mismo, lo que le otorga, mayor naturalidad, autenticidad y de forma espontánea.
La forma en la que el interlocutor se expresa se puede dividir en dos tipos, dependiendo del medio que se emplee, los cuales pueden ser el pensamiento o la voz y ellos a su vez tienen dos formas de expresarse, una es mediante diálogos y enunciados de voz, que es cuando la voz se aísla, mientras que la segunda forma es el la exposición del pensamiento, como puede ocurrir en el monólogo citado.
De igual forma es muy frecuente el toparse con personajes que utilizan el monólogo de forma repetida durante cualquier ocasión como una forma normal de ellos expresar lo que piensan, siendo el monólogo un elemento que constituye la personalidad de dicha persona, sin embargo esto en ocasiones no suele ser del todo bueno, ya que por lo general dicho característica se encuentra ligada al . Éste tipo de personas suelen ser déspotas, buscan siempre la forma de que su opinión sea la que se escuche, la de los demás, ya que su ego no les permite escuchar lo que los demás quieren decir sino que solo es su opinión la que importa.
SAINETE
Es una pieza dramática jocosa en un acto, de carácter costumbrista y popular, representado en España durante el intermedio o al final de una función. Sustituyó al entremés en los siglos XVIII, XIX y XX.
Dentro del teatro español de los siglos XVIII y XIX, los sainetes se constituyeron en magníficos retablos costumbristas de la sociedad de la época. El sainete era una pieza breve, de carácter popular y tono cómico, insertada en medio o al final de una función teatral, cuyo asunto, al igual que el de sus predecesores -el paso y el entremés de los siglos XVI y XVII-, solía tener escasa trascendencia y complejidad dramáticas.
La popularidad del sainete a lo largo del siglo XVIII fue debida a Ramón de la Cruz, autor de más de 300 sainetes. De éstos, los más famosos fueron los de carácter costumbrista -La casa de Tócame Roque, El fandango del candil, Las majas vengativas-, en los que, inspirándose en los tipos pintorescos de no menos pintoresco lenguaje que poblaban los barrios populares de Madrid, compuso un vívido retrato de la España dieciochesca. Entre los seguidores de Ramón de la Cruz destacó el Juan Ignacio González del Castillo que, con sus cuadros coloristas de los ambientes populares y marineros de Cádiz, inauguró la vertiente andaluza del sainete.
A finales del siglo XIX y principios del XX, el sainete experimentó un nuevo florecimiento dentro del llamado género chico: sainetes y zarzuelas, fundidos a veces en una misma pieza, integraron el abundante repertorio del teatro lírico popular de este período.
Ricardo de la Vega, autor de la Verbena de la Paloma (1894), con música de los maestros Federico Chueca y Tomás Bretón, y el alicantino Carlos Arniches -El santo de la Isidr (1898), El amigo Melquiades (1914)- retomaron en sus sainetes el ambiente madrileño y castizo que tanta popularidad había tenido el siglo anterior.
Los hermanos Serafín y Joaquín Álvarez Quintero fueron los principales representantes de la del sainete andaluz. Escenas costumbristas y tipos pintorescos de los barrios de Sevilla y la baja Andalucía protagonizaron algunos de sus cuadros más cómicos y chispeantes, como El ojito derecho (1897), La buena sombra (1898) y Las de Caín (1909).
PERSONAJES
¿ QUÉ ES UN PERSONAJE ?
Un personaje es cada una de las personas o seres (humanos, animales o de cualquier otra naturaleza) reales o imaginarios que aparece en una obra artística. Suelen destacarse aquellos con aspecto humano o los seres conscientes de cualquier tipo, que se imagina existen dentro del universo de una obra. Pero, además de personas, se hace referencia a cualquier otro tipo de ser vivo, animales y dioses, no excluyendo tampoco objetos inanimados a los que se da vida. Estos personajes son casi siempre el centro de los textos de ficción, especialmente las ficciones de ámbito cinematográfico o literario, así como las historietas. De hecho, es difícil imaginar una novela sin personajes, aunque ha habido experimentos en este sentido, como por ejemplo, . En la poesía siempre hay algún tipo de persona presente, aunque generalmente como narrador u oyente imaginario.
El personaje es una construcción mental elaborada mediante el lenguaje y la imagen. En varios espectáculos teatrales, puestas en escena y películas (con excepción de las animaciones), los personajes son protagonizados por actores, bailarines y cantantes. Para las animaciones y para los títeres, existen actores vocales, aunque las voces también pueden ser creadas por computadora.
El personaje, como concepto , permanece estático, y se reduce a un conjunto de características o a una función necesaria en el desarrollo de la acción.
A través de la historia del drama se han desarrollado cierto número de personajes estereotipados.
¿QUIÉNES SON?
JACQUES LACAN
Jacques-Marie Émile Lacan (París, 13 de abril de 1901-ibídem,
9 de septiembre de 1981) fue un médico psiquiatra y psicoanalista francés
conocido por los aportes teóricos que hizo al psicoanálisis basándose en la
experiencia analítica y en la lectura de Freud, incorporando a su vez elementos
del estructuralismo, la lingüística estructural, la matemática y la filosofía.
Sus aportes han sido definidos, principalmente por él mismo,
como un «retorno a Freud». Otros estudiosos de la historia del psicoanálisis
los clasifican como una reinterpretación o desarrollo ulterior de prácticamente
todos los conceptos freudianos, principalmente a través de una revisión de casi
toda su casuística relevante: Herbert Graf, Ida Bauer, Ernst Lanzer, Daniel
Paul Schreber, Serguéi Pankéyev.1
Fue un exponente fundamental de la corriente estructuralista
y generó gran controversia entre otros profesionales debido a su estilo
innovador. Asensi describe a Lacan como un
estructuralista-post-estructuralista.[cita requerida]
Su relación con el movimiento freudiano contrastaba con sus
fuertes tensiones con la IPA, la Asociación Psicoanalítica Internacional (su
estilo didáctico y la brevedad de sus sesiones en relación a las propuestas de
los psicoanalistas ortodoxos, desencadenaron un rechazo que tiene raíces más
profundas), y con el progresivo distanciamiento de sus colegas franceses a lo
largo de una serie de escisiones.
Lacan buscó reorientar el psicoanálisis hacia la obra
original de Freud, ya que consideraba que el psicoanálisis post-freudiano se
había desviado cayendo en una lógica a veces biologicista u objetivadora del
sujeto propio del psicoanálisis. Lacan acusó a muchos de los psicoanalistas
coetáneos por haber distorsionado y parcializado la teoría de Freud.
Reinterpretó y amplió la práctica psicoanalítica. Incorporó además a nivel
teórico nociones de origen lingüístico, filosófico y topológico que lo llevaron
a redefinir muchos de los principales términos del léxico psicoanalítico y, por
ejemplo, a formular la tesis:
El inconsciente está estructurado 'como' un lenguaje:
Las nociones lingüísticas tomadas de Ferdinand de Saussure se
hacen en su obra aplicables a la relectura de Freud. Modificando algunas de las
fórmulas relativas al significante, Lacan introduce el concepto de lógica del
significante para reexplicar la teoría freudiana, aunque sosteniendo -según sus
propias palabras- el espíritu freudiano que puede leerse, tanto en el análisis
de los sueños como en el chiste, en su Proyecto de Psicología y a lo largo de
su obra. La obra de Lacan ha despertado interés en otros campos además del
psicoanálisis, particularmente en la lingüística, la teoría crítica, en el
postestructuralismo, la filosofía y la política.
KARL MARX
Karl Heinrich Marx (Tréveris, Reino de Prusia, 5 de mayo de
1818 – Londres, Reino Unido, 14 de marzo de 1883), fue un filósofo, intelectual
y militante comunista. Junto a Friedrich Engels, es el padre del socialismo
científico, del comunismo moderno y del marxismo. Sus escritos más conocidos
son el Manifiesto del Partido Comunista (en coautoría con Engels) y El Capital.
En su vasta e influyente obra, destacó en los campos de la
filosofía, la historia, la ciencia política, la sociología y la economía.
Testigo de la primera gran crisis del capitalismo (década de 1830) y de las
revoluciones de 1848, Marx desarrollo una teoría económica que aportó
explicaciones a la crisis, pero a la vez para animar al proletariado a
participar en ella activamente para producir un cambio revolucionario.
Las teorías de Marx sobre la sociedad, la economía y la
política, que se conocen colectivamente como el Marxismo, sostienen que todas
las sociedades avanzan a través de la dialéctica de la lucha de clases. Marx
teorizó que, como en los anteriores sistemas socioeconómicos, inevitablemente
se producirían tensiones internas, producidas por las leyes dialécticas, que lo
llevarían a su reemplazo por un nuevo sistema a cargo de una nueva clase social
el proletariado.
Sostuvo que la sociedad bajo el socialismo, sería regida por
la clase obrera en lo que llamó la “dictadura del proletariado“, el “Estado
obrero” o “democracia obrera”. Según sus teorías el socialismo sería, a su
vez, reemplazado por una sociedad sin
Estado y sin clases sociales denominada comunismo puro. Con la creencia en la
inevitabilidad del socialismo y del comunismo, Marx luchó activamente para la
implementación del socialismo, argumentando que los teóricos sociales y las
personas desfavorecidas debían realizar una acción revolucionaria organizada
para derrocar el capitalismo y lograr un cambio socioeconómico.
HOMERO SIMPSON
Homer Jay Simpson (Homero Simpson en Hispanoamérica y Homer
Simpson en España) es un personaje ficticio protagonista de la serie de
televisión de dibujos animados Los Simpson. Es el padre de la familia
protagonista y uno de los personajes centrales y más importantes de la serie.
Fue creado por el dibujante Matt Groening e hizo su debut en televisión el 19
de abril de 1987, en el corto Good Night del programa El show de Tracey Ullman.
Su segundo nombre es un juego de palabras; durante muchas temporadas no se supo
qué había detrás de la J hasta que en el capítulo «D'oh-in' In the Wind»
descubre que su segundo nombre es Jay (nombre en inglés de la letra j); de este
modo, cuando Homer pronuncia en inglés su propio nombre, no se distingue si da
la letra inicial del segundo nombre o este al completo.
La voz original del personaje de Homer Simpson en inglés es
de Dan Castellaneta. En España fue doblado hasta la undécima temporada por
Carlos Revilla, a quien sustituyó Carlos Ysbert por el fallecimiento de
Revilla.1 En Hispanoamérica fue doblado por Humberto Vélez hasta la decimoquinta
temporada, siendo después reemplazado por Víctor Manuel Espinoza, más
conocido como Otto Balbuena. Castellaneta ha ganado tres premios Primetime
Emmy como mejor actuación de voz y una mención especial en los Premios Annie
por interpretar la voz de Homer Simpson.
PERSONAJES CIRCULARES
Los personajes circulares están ideados con muchas
características de personalidad y tienden a ser complejos, más realistas y
creíbles.El
protagonista de una novela (algunas veces el "héroe" o
"heroína") es generalmente un personaje circular (redondo).
PERSONAJES LINEALES
Los personajes lineales sólo poseen unos pocos rasgos de
personalidad y son más simples y menos creíbles.
Los secundarios o
menores dentro de una misma obra suelen ser líneales . muchos personajes antagónicos (que
chocan con los protagonistas, algunas veces llamados "villanos") son redondos.
Ejemplo de un personaje antagonista redondo es Rhett Butler.
ACTIVIDADES
Analiza la siguiente obra y señala los personajes principales
y secundarios.
Título de la Obra: Dón Quijote de la Mancha
Personajes Circulares:
Sancho Panza
Alonso Quijano
Rocinante
El rucio
Dulcinea del Toboso
Cide Hamete Benengeli
Personajes Secundarios:
Maese Nicolás
El cura del pueblo (Pero Pérez)
El ventero
El sabio Frestón
Sansón Carrasco
Maese Pedro (tiritero)
Maritornes
Cardenio
Ginés de Pasamonte
Dorotea
Luscinda
Don Fernando
Anselmo
Ruy Pérez de Viedma
Zoraida o María
Juan Pérez de Viedma
Clara de Viedma
Don Luis
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